La avalancha de cine de terror en la primera década del siglo XXI nipón surtió de títulos al público mundial, tan necesitado de buenas historias del género y tan fiel a lo producido en EE UU. El título mejor americanizado es, sin duda, La señal (The ring) (2002),sobre The ring (El círculo), protagonizada por Naomi Watts y dirigida por un casi siempre fiable Gore Verbinski (responsable de la saga Piratas del Caribe).

El grito (The grudge) (2004) y Dark Water (La huella) (2005) no pasaron de lo justillo, más aún comparadas con el gran éxito de sus originales, La maldición (The grudge) y Dark Water. El peor refrito del terror amarillo es Pulse (Conexión) (2006), sobre la también inferior Kairo (Pulse).

Pero miedo no es lo único que Japón ha exportado. En 2004 se estrenó Shall we dance? (¿Bailamos?), una cutre comedia romántica con Richard Gere y Jennifer Lopez que trató de emular el éxito que en 1996 cosechó Shall we dance? en el país del sol naciente.

Aunque Corea del Sur ha producido mucho y muy buen cine en los últimos 15 años, su fama mundial ha impedido a muchos atreverse con los remakes de sus obras más destacadas. Este año Spike Lee (Plan oculto, La última noche) se la va a jugar con Oldboy, con el gigantesco objetivo de conquistar a las legiones de fans del thriller coreano de mayor renombre (con el mismo título, Oldboy). Cuenta con un acertadísimo reparto (Josh Brolin, Samuel L. Jackson y Elizabeth Olsen) para, al menos, no dar pena intentándolo.

En una situación parecida se encontró Martin Scorsese cuando se supo que iba a rodar la adaptación de la aclamada Juego sucio (Infernal Affairs), cambiando la triada de Hong Kong (China) por los gángsters bostonianos. Cuando en 2006 se estrenó Infiltrados desapareció toda sombra de duda acerca del proyecto que, bajo la batuta de Scorsese y con un guión rebozado por el brillante William Monahan, les llenó los bolsillo de dólares y de premios, entre ellos los Oscar a la Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado; si supera o no a la original, depende del gusto de cada quién.

Volviendo a Corea del Sur, la intensa y fructífera producción de thrillers violentos (Memories of  murder, Sympathy for Mr. Vengeance, Sympathy for Lady Vengeance, The chaser, Encontré al diablo) no ha sido el único género que ha puesto su industria en el tapete mundial; sus cintas románticas también han conseguido un estilo particularmente apreciado. No funcionó nada mal (en términos económicos principalmente) la pastosilla La casa del lago, reencuentro en 2006 de Sandra Bullock y Keanu Reeves desde que compartieran bambalinas en Speed: Máxima potencia. Su considerable éxito ha apagado los ecos de la original, Il Mare (Siworae), que, eso sí, arrasó en casa.

No funcionó de ningún modo en 2008 My sassy girl, una versión de perfil bajo en todos sus aspectos de la deliciosa peli coreana de título homónimo protagonizada por la misma estrella asiática de Siworae, la encantadora Jun Ji-hyun. Falló lo de tantas otras ocasiones: si vas a atreverte con un remake peligroso la apuesta debe ser fuerte y debes contar con primeros espadas a ambos lados de la cámara; y más cuando se está ante una peli de culto como esta.

En fin, espero que este triple artículo sobre las versiones americanas del cine mundial os haya sido de algún provecho. Hay muy buen celuloide entre estas líneas y auténtica escoria que pasa por tal, así que lo mejor será que cada uno se deje guiar por su instinto y elija con qué se la quiere jugar. Mis recomendaciones están claras, ¿no? Pues hale, a pastarla y a ver películas, amigos simples.

FIN

PD: Adjunto tráilers y vídeos de algunas de las versiones yanquis y las originales asiáticas.

Vídeo de Los siete magníficos con la mítica banda sonora de Elmer Bernstein

Tráiler de La señal (The ring)

Tráiler de Infiltrados

Tráiler de La casa del lago

Tráiler de My sassy girl (subtítulos en inglés)

Aunque todo lo transalpino les chifla a los yanquis no parece suceder lo mismo con su cine. Por mencionar tres de los pocos títulos copiados a ITALIA me referiré a la estupenda Esencia de mujer (1990), remake en clave de drama de la comedia de 1974 Perfume de mujer, que supuso el Oscar para Al Pacino; a The last kiss (2006), la pasable versión de la también pasable El último beso; y a la insulsa Todos están bien (2009), sobre el film de 1990 Están todos bien, del laureado: Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso).

ALEMANIA es un territorio casi inexplorado por Hollywood. Cabe señalar M (1951), pobrísima versión de una de la obras fundamentales en la historia del cine, el film de Fritz Lang M, el vampiro de Düsseldorf, de 1931; y uno de los pocos musicales salvables de los ochenta, ¿Víctor o Victoria? -último gran éxito de la actriz Julie Andrews-, sobre la quasi desconocida Viktor und Viktoria (1933).

A pesar de que ahora parecen apreciar más el producto patrio en los USA, ESPAÑA no ha sido del agrado de los copistas hollywoodienses. Así, sólo dos pelis han sido calcadas hasta el momento, además, con pésimos resultados: la lamentable Quarantine (2008), sobre la magnífica REC y Vanilla Sky (2001), deslavazado y paleto intento de americanizar Abre los ojos, de Alejandro Amenábar.

Michael Haneke dirigió en 2007 Funny Games, sobre la cinta de título homónimo que él mismo estrenó diez años antes en Austria, en una de las decisiones más estúpidas realizadas por un director en mucho tiempo. ¿Qué sentido tiene regresar a un proyecto ya facturado con resultados brillantes? La respuesta está en el resultado.

Fuera de Europa, tan solo me quedan dos títulos que tuvieron cierto renombre en su momento, versionados con desigual acierto en las colinas Los Ángeles. Uno de los truños más infectos con acento angelino es Criminal (2004), un ejemplo de por qué no se debe cambiar de escenario una trama tan sujeta a un lugar y a unas circunstancias: la argentina Nueve reinas no merecía semejante insulto. Iberoamérica, es de rigor dejarlo claro, no ha sido objeto de la atención hollywoodiense por las mismas razones que Europa.

Finalmente, el caso opuesto a la anterior es La deuda (2011), cinta americana que superó a la israelí The debt. John Madden se benefició de un guión mejorado por Matthew Vaughn y un reparto en el que contaba con la maravillosa Jessica Chastain, además de Helen Mirren, Ciaran Hinds y Tom Wilkinson.

ESCANDINAVIA EXISTE

Desde Ingmar Bergman parecía que el norte europeo no tenía demasiado que interesase a Hollywood. Pero el boom de la literatura policíaca sueca en los últimos veinte años ha tenido también eco en la pantalla grande (y la pequeña, recordemos la serie The killing, por ejemplo).

La primera vez que se atrevieron en Estados Unidos a adaptar un oscura historia de la modernidad escandinava fue en 2010, con Déjame entrar. Matt Reeves dio sobradamente la talla en un relato de ritmo más hosco y técnico pero tan negro, denso y seductor como el maravilloso original de Tomas Alfredson, uno de los films más inquietantes y delicados que he visto en mucho tiempo.

En 2011, el reto del oráculo David Fincher era doble: llevar a la pantalla uno de los libros más vendidos de la historia y superar a la adaptación sueca, bastante bien acogida por la taquilla global. Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011) tuvo una recaudación menor de lo esperado, sin ser mala en absoluto, pero artísticamente dejó a la altura del betún al film protagonizado por Noomi Rapace; todo un ejercicio de estilo cinematográfico, una obra de autor con lenguaje propio que nos ofreció el descubrimiento de Rooney Mara.

Jim Sheridan (En el nombre del padre) filmó en 2009 Brothers, remake de Hermanos, peli de la aclamada cineasta sueca Susanne Bier (En un mundo mejor) sobre un hombre que debe ocuparse de su cuñada y sus sobrinos tras la muerte de su hermano mayor, soldado en Afganistán. Aunque no es la opinión mayoritaria y no he visto la cinta de Bier, a mí me encantó la sencillísima pero poderosa versión hollywoodiense; muy, muy recomendable.

Otra de las revisiones de films escandinavos es Insomnio (2002), la peli más floja de Christopher Nolan, con Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank. El segundo proyecto en ultramar del cineasta británico resulta indigno de su talento, pese a que no debía esperarse demasiado de una copia de la ya mediocre producción noruega Insomnia.

CONTINUARÁ…

PD: Adjunto tráilers y vídeos de algunas de las versiones yanquis.

Tráiler (en inglés) de Esencia de mujer

Tráiler de Quarantine

Tráiler (en inglés) de Vanilla Sky

Tráiler de Funny games

Tráiler de La deuda

Tráiler de Déjame entrar

Tráiler de Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres

Tráiler de Brothers

No creáis que los refritos son una moda exclusiva de estos años de ausencia de ideas y explotación de viejos taquillazos; ni tampoco que la copia es siempre peor que el original. El propio Alfred Hitchcock, por poner un caso paradigmático, se versionó a sí mismo para el público americano en El hombre que sabía demasiado (1956), film de mayor calidad que el homónimo estrenado en su Inglaterra natal en 1934 (ya que estamos en las islas británicas, recordaré al respetable el caso opuesto: los yanquis destrozaron la divertidísima Un funeral de muerte (2007) con una estúpida cinta de igual título en 2010, teñida de un humor ‘black’ de baja estofa).

FRANCIA: MON AMOUR CINÉMATOGRAPHIQUE 

Sin embargo, como dicta la lógica de la lengua común, en los USA han adaptado muy poquito de su madre patria. El filón lo han encontrado cruzando el canal de la Mancha, en Francia, hogar de la industria cinematográfica europea más potente. Especialmente entre los ochenta y noventa, la comedia gabacha -que siempre ha funcionado bastante bien- fue un surtidor de pelis que fotocopiar gracias al dramaturgo y cineasta Francis Veber: nada menos que doce de sus cintas tienen doble yanqui.

En su etapa de guionista Veber escribió El embrollón (1976), dirigida por un habitual del sainete galo, Eduard Molinero. Sin ser una de sus grandes obras, el maestro Billy Wilder (El apartamento, Con faldas y a lo loco) consiguió un resultado mejor que el susodicho en Aquí, un amigo (1981). La inmensa mayoría de las versiones sobre films de Veber son horribles, aunque las originales galas tampoco fueron piezas inolvidables, no nos engañemos. Componen el listado de ventosidades fílmicas los siguientes títulos:

- Su juguete (sobre El juguete), dirigida en 1982 por un irreconocible Richard Donner (Los Goonies, Arma letal).

- El hombre con el zapato rojo (sobre El gran rubio con un zapato negro), protagonizada en 1985 por Tom Hanks.

- De jungla a jungla (sobre Un indio en París), que supuso el segundo y fracasado intento en 1997 de relanzar la carrera en la pantalla grande del humorista Tim Allen.

- Un lío padre (sobre Los compadres), con Robin Williams y Billy Crystal, también de 1997.

-La cena de los idiotas, de 2010, (sobre el taquillazo La cena de los idiotas), una gilipuertez que pretendió voltear con humor americano una cinta que sólo tiene sentido desde la hilaridad francesa y, más concretamente, desde la parisina.

Alcanzan el mínimo exigible, aún siendo bastante flojas, Tres fugitivos (1989), sobre Dos fugitivos, que versionó el mismo Veber; y Poli con suerte (1991), sobre La cabra. El único remake de una peli del guionista y cineasta galo que mereció la pena hacerse es Una jaula de grillos (1996), sobre la también muy exitosa Vicios pequeños. En esta ocasión, el mentado Williams, Gene Hackman, Nathan Lane y Dianne Wiest formaron un tronchante equipo que le dio personalidad propia al asunto respecto de la original.

Además de Veber, los remakes de comedias franchutes desde los ochenta han sido muy comunes, generalmente con resultados que van de lo mediocre a lo pésimo:

- La mujer de rojo, en 1984 (sobre Un elefante se equivoca enormemente), con el insoportable Dudley Moore.

- La entretenida Tres hombres y un bebé, en 1987, ¡¡dirigida por Leonard Spock Nimoy!! (sobre Tres solteros y un biberón).

- La terrible Oscar ¡quita las manos! (1991), incursión en lo ¿cómico? de Sylvester Stallone (sobre Oscar, una maleta, dos maletas, tres maletas, con el mítico Louis de Funès).

- Mi padre ¡Qué ligue! (sobre Mi padre, mi héroe), en la que Gérard Depardieu interpretó el mismo papel que en la original. Sirvió para el debut en 1994 de una jovencísima Katherine Heigl, mucho antes de Anatomía de Grey y de convertirse en la última reina de la comedia romántica.

- La decente Nueve meses, de 1995 (sobre Nueve meses), con Hugh Grant elevado a la máxima potencia y Chris Columbus tras la cámara.

- El amor tiene dos caras, de 1996, sobre la cincuentera El espejo tiene dos caras.

- Dos colgados en Chicago, de 2001, sobre el muy divertido boom de recaudación Los visitantes ¡No nacieron ayer!.

- La vomitiva Taxi: derrape total (2004), que masacró la simplísimamente cachonda comedia de acción Taxi Express.

Las otras adaptaciones que en los últimos treinta años ha hecho Hollywood del cine gabacho pertenecen a dos tipos: acción y clásicos. Respecto del primer tipo, mejor habría sido dejar Nikita, dura de matar tal como nos la había regalado Luc Besson: La asesina (1993) fue un vacuo intento de no se sabe muy bien qué, hecha tampoco se sabe muy bien cómo. Sin embargo, siempre hay excepciones que justifican los errores pasados. Así, la estupenda El fuego de la venganza (2004), dirigida por Tony Scott, superó con creces la calidad de la ramplona Bala blindada; claro que, en esta ocasión, el guión corría a cargo de Brian Helgeland (L.A. Confidential, Mystic river).

Por lo que respecta a los clásicos, siempre es estúpido hacer estupideces. Así se explica la existencia de films que nadie recuerda como las innecesarias El beso de la mujer pantera (1982), sobre La mujer pantera, de Jacques Torneur; La noche y la ciudad, protagonizada en 1992 por Robert De Niro, versión de Noche en la ciudad, de Jules Dassin; y Diabólicas (1996), sobre Las diabólicas.

También les dió en EE UU por darle cancha a remakes de cintas de la llamada Nouvelle Vague, sobre la que ya sabéis qué opinión tengo. Copiaron de François Truffaut la repelentísima Jules y Jim en Una alhomada para tres (1980) y El amante del amor en Mis problemas con las mujeres (1983); de Claude Chabrol calcaron La mujer infiel en 2002 con Infiel; de Jean-Luc Godard, la insultante Al final de la escapada en Vivir sin aliento (1983).

CONTINUARÁ…

PD: Adjunto tráilers y vídeos de algunas de las versiones yanquis.

Escena de El hombre que sabía demasiado (1954)

Escena de Aquí, un amigo (1981)

Tráiler en inglés de Tres hombres y un bebé (1989)

Tráiler en inglés de Tres fugitivos (1989)

Tráiler de Poli con suerte (1991)

Tráiler en inglés de Nueve meses (1995)

Tráiler de Una jaula de grillos (1996)

Tráiler de El fuego de la venganza (2004)

Sé que últimamente he dejado de lado lo de colgar tráilers pero, después de un intenso debate conmigo mismo, creo que es mejor traicionar una regla que dejar que alguien se pierda esta maravilla de dos minutos: ¡¡Llega lo nuevo de Nicolas Winding Refn!! Los que amamos esa maravilla llamada Drive estamos deseosos del estreno de Only God forgives, programado para el mes que viene en Dinamarca, Francia o Italia y para julio en USA (en España aún no hay fecha oficial). Otra vez con Ryan Gosling como prota, y otra vez repartiendo de todo menos caramelos; pero ahora en Bangkok (Tailandia) y acompañado por Kristin Scott Thomas. Agárrense, amigos simples, que viene curva.

Tráiler 2

La trama tiene su gracia pero todo en ella suena a algo; ¿es muy distinto lo que el Tet hace con Harper y los “carroñeros” de lo que las máquinas hiceron con Neo y los sionistas de Matrix? Por no hablar de que aquí es Morgan Freeman el de las pastillitas de colores; quien haya visto La isla o El atlas de las nubes, descubrirá sorprendido que en la peli de Kosinski solo cambia el nombre de la promesa, aquí llamada Titan.

La factura es tan correcta como descastada, tan preocupada por que no se descubran sus intrigas que se olvida de presentar a sus personajes de modo que el gran descubrimiento de la historia suponga una descarga emocional contundente. Y con tanta ciencia ficción sobre las espaldas, sea en la pantalla, sea con asimovs y huxleys de por medio, uno empieza a olerse el pastel antes o después.

El otro gran problema de Oblivion es su pretenciosidad, como si la destrucción de la pirámide voladora no funcionase básicamente igual que la de la Estrella de la muerte o si sus harapientos rebeldes no tuviesen la misma mala leche que los de Mad Max o la funesta Waterworld.

Por otro lado, Kosinski no parece demasiado consciente de que la línea entre lo poético y lo cursi es muy fina; la cruza constantemente, recurriendo, además, al cliché del recuerdo incrustado en el cerebro como pista clave de lo escondido en la trama (aunque, por cierto, clonar memorias sea imposible, por lo que dicen los científicos que teorizan sobre el tema; pero eso, aunque me chirríe, tampoco lo condeno porque hablamos de ciencia ficción).

Sin embargo, a pesar de extrañar una potente haka postapocalíptica, este baile de salón futurista no aburre casi nunca, todo sea dicho. El reparto encabezado por Cruise no está mal; aunque el papel de Freeman sea tan pobre como olvidable y Olga Kurylenko solo provoque sueño (mucho mejor la británica Andrea Riseborough).

La cartelera está en una época que poco más que un cinco o un seis puede ofrecer una decente sesión de cine de estreno como Oblivion (si ya se han visto los restos de genialidad de 2012, claro); así que, cada uno que se juegue los titos como le venga en gana.

Cuando se juntan Soderbergh y un guión de Scott Z. Burns (que escribió también el libreto de El ultimátum de Bourne) siempre surge algo disfrutable. Además de la cinta en cuestión y de la mencionada Contagio, la alianza entre ambos nos ha dejado la estupenda ¡El soplón!, otra que, para un servidor, pasó incomprensiblemente desapercibida en su momento. En esta ocasión, ambos narran una historia sobre psiquiatría y fármacos desde la comprensión de los mecanismos que hacen avanzar la trama de un thriller pero siempre con un objetivo en mente: que los giros argumentales no sean predecibles.

Soderbergh logra alcanzar la meta propuesta dejando que sea la audiencia la que se engañe a sí misma diseñando el tono de la primera parte de la película como un mago que distrae la atención del público respecto del truco que, en realidad, está realizando delante de sus narices. Vendida la capacidad de comprensión del espectador por la avispada previsión del director norteamericano de la interpretación que este hará de los falsos clichés dramáticos que vehiculan el segundo acto, uno no puede más que entrar aplaudiendo en la inesperada continuación que se le propone.

La peli se queda en un notable alto precisamente porque el clímax final sorprende menos que el intermedio, tanto en su forma como en su fondo. La resolución es de cajón en su resultado y la estrategia elegida por Burns y aceptada por Soderbergh es, más bien, floja. Sin ases en la manga, el modo en que se hace justicia es tan aséptico y notarial que no impacta demasiado, a pesar de lo bien traído que está el tercer acto.

En el apartado actoral, Mara se merienda tan sobradamente al resto del reparto que casi es una mera formalidad hablar del resto. Solo cabe rendirse al talento de la también prota de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres , que ofrece una gama de recursos completa y efectiva. Los demás dan un buen nivel, sobre todo Catherine Zeta-Jones, con un Channing Tatum respetable y un Jude Law que mejora en su labor con los años, alejado ya de sus profundas miradas de loco.

Por supuesto, mi única pista para lo que afirmo es la expresividad facial de los susodichos; porque en este puñetero país es más difícil ver una peli en versión original que encontrar un concejal honesto (y eso es mucho decir). Cada día me cuesta más soportar esas voces superpuestas y, sinceramente, no está lejos el momento en que no aguante ya ver cine doblado. Sé que muchos consideran esta una postura cultureta o snob, pero desafío al que así piense a que le de una oportunidad a la VOS; ya veremos qué dice cuando empiece a oír las pelis del modo en que deben ser oídas.

Tráiler de Efectos secundarios

PD: El listado no se ha ordenado por preferencias, sino alfabéticamente. Para saber cuál es mi ganadora, leed los textos, je je.

ARGO, de Ben Affleck

La consagración como narrador de Ben Affleck; tras las más que aplaudibles Adiós, pequeña, adiós y The Town: Ciudad de ladrones, podemos afirmar que el cineasta de Boston ha encontrado un modo de hacer cine concreto. Argo es la instauración de una firma reconocible. Affleck cuenta su historia con gran dominio del ‘tempo’ cinematográfico, una exquisita moderación en el uso de la cámara y un montaje pseudoperiodístico, tremedamente aséptico. Aquí se cautiva a su público con hechos, puntos de inflexión nacidos de verdaderos cambios de rumbo y no de conversaciones explicativas o secuencias gritonas.

La gran virtud de este film es, en mi nada humilde opinión, la soprendente la naturalidad con la que pasa de la comedia al drama para luego saltar al thriller o presentarse después como un relato en la mejor tradición del cine político. Argo esta es una cita impepinable para todo buen amante de lo simple, una inmaculada celebración de la narración fílmica posmoderna en su mejor línea.

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BLANCANIEVES, de Pablo Berger

Una auténtica delicia visual de temperamento arrebatador. El cineasta vasco realiza una aproximación satírica, típicamente patria, al cuento clásico, pasándolo por la sartén del esperpento hispano, por la amargura y la alegría de la guitarra flamenca, utilizando la poesía salvaje de la fiesta taurina como elemento épico unitario. Berger ofrece una visión del toreo desde lo que significa el enfrentamiento del hombre y la bestia como una metáfora de la gloria y la tragedia de la vida humana. Lo hace sin efectismos baratos, sacando a relucir una amplia paleta de recursos técnicos.

Todo en Blancanieves es desgarrador, exultante, un canto de amor apasionado a nuestra música, gente, luces y sombras; un canto que Berger entona desde el cariño y desde una introspección desprovista de prejuicios, que no inocente. Por encima de unos fantásticos Maribel Verdú y Daniel Giménez-Cacho brilla una encantadora de espectadores llamada Macarena García; que es toda ella unos grandes ojos que chillan cosas bonitas, una dosis doble de sonrisas embaucadoras. Macarena es redonda en su rasgos y en su ejecución dulcísima de la pura Carmencita, el aroma españolito que ahora desprende el cuento del hermano Berger. Totalmente imprescindible.

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DJANGO DESENCADENADO, de Quentin Tarantino

Django desencadenado tiene todo lo esperable en un producto de la industria tarantiniana: es visceral, divertida, sanguinaria, enérgica, ruda y hermosa; un tsunami de maestría cinematográfica que te deja embobado, absorto por su brillantez. En ella confluyen todos los elementos que uno le pide al cine entendido como espectáculo y como arte; su creatividad visual y la afilada redacción de cada línea de sus diálogos están solo alcance de un genio….hasta que llegan las secuencias conclusivas del último acto, en la que Tarantino cae víctima de sus propios excesos líricos.

La matrícula de honor se queda, no obstante, en un espléndido nueve. El traspiés final no elimina la cercanía a lo divino de lo anterior; especialmente por la superación de barreras dentro del universo creativo del propio cineasta californiano: a lo que ya sabíamos del autor se suma en Django desencadenado una sensibilidad exquisita, concentrada en el viaje emocional del Dr. Schultz, que estalla -desbordada de humanidad- en el último instante de magia de la película.

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EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE, de Christopher Nolan

Pese a su torticero giro argumental en el clímax definitivo de la historia (los que la hayan visto sabrán de lo que hablo), a El caballero oscuro: La leyenda renace le pasa algo parecido a la cinta de Tarantino: la narración de Nolan resulta tan vívida y su historia te atrapa en tal ‘mascletà’ de descargas adrenalíticas que ni siquiera la torpeza conclusiva puede apagar esa sensación.

Además, no debemos olvidar lo desasosegante que resulta el mundo al que nos transporta el director británico, que nos habla tanto de nuestras propias sombras como de las que se ciernen sobre la sociedad, esta vez real, en la que vivimos. Funciona maravillosamente como metáfora y alegoría a un tiempo de los años que el poder económico y político (¿son acaso distintos?) nos están patrocinando. No supera en subtexto a El caballero oscuro, pero esta última entrega del Batman nolaniano la excede, sin ninguna duda, en voltios; un nuevo regalo del cine como espectáculo y arte que ningún simple debe dejar escapar.

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EL LADO BUENO DE LAS COSAS, de David O. Russell

Russell ha construido, como guionista y director, una película divertidísima, conmovedora, plagada de escenas de una honestidad tan descarnada que resulta cruel. Los diálogos del director neoyorquino rebosan naturalidad y cariño por sus personajes; el libreto desnuda de convencionalismos el comportamiento de estos y los hace tan cercanos que asusta; uno no puede más que compadrear con Pat y sus follones y enamorarse perdidamente de Tiffany. El lado bueno de las cosas es un auténtico disfrute, un lujo de andar por casa que tanto los devotos del cine encorsetado como los del gafapastil jamás sabrán apreciar. ¿Y a quién coño le importa?

El visionado de El lado bueno de las cosas es una obligación moral para el cinéfilo simple. Quizás no he llegado a ser lo suficientemente escéptico o lo suficientemente cínico para considerar -como he leído a muchos- sobevalorada por increíble a esta peli. La poca inocencia que me queda la guardo en la caja fuerte para disfrutar con films que me hacen sonreír y me ponen blandito. La ñoñería da ganas de vomitar; la sencillez apasiona. Russell y sus compinches han hecho una de las mejores pelis de 2012. Y qué decir de las interpretaciones de Bradley Cooper (jamás creí que esas palabras saldrían de mis teclas) y Jennifer Lawrence que no se haya dicho ya…

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LA NOCHE MÁS OSCURA (ZERO DARK THIRTY), de Kathryn Bigelow

Dirección, guión y montaje comulgan en La noche más oscura en la intención de combinar la neutralidad del mero observador con un fabuloso ritmo cinematográfico que imprime una cadencia silenciosa pero enervante, que cautiva exponencialmente, secuencia a secuencia. En la misma línea de la magistral Zodiac, de David Fincher, la energía de cada escena depende mucho de la que emanan los personajes que en ella aparecen y, aunque no parecen ser demasiado significativos a distancia corta, los puntos de inflexión diseminados a lo largo del metraje horadan con paciencia el intelecto y el ánimo del espectador hasta descubrirse en cierto momento apasionado y aprisionado por el conjunto del relato. El segmento final, por cierto, es de lo mejor que he visto jamás en una pantalla de cine.

Nomalmente, uno se acerca a un trabajo interpretativo del modo más aséptico posible y lo considera bueno o malo según su escala sin muchas más vueltas. En el caso de Jessica Chastain no es posible más que el babeo alucinado. Una luz maravillosa en estos tiempos de medicoridad en las colinas de Hollywood. El cinéfilo simple está obligado a ver La noche más oscura, un film tan redondo como obtuso, que agota, entristece, desgarra y entusiasma. Para un servidor, la mejor película de 2012.

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LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO, de Stephen Chbosky

Las ventajas de ser un marginado embarca al espectador en un viaje agridulce en el que campan a sus anchas heridas, pasiones, sonrisas y recuerdos que dejan el alma traspuesta. La peli de Chbosky habla de mí, de ti, de todos nosotros; de lo jodido que es vivir y sentirse solo; de lo extraño que yo resulto a lo demás y de lo extraños que me resultan los demás a mí mismo; de lo exactamente iguales y de lo completamente distintos que somos. Chbosky nos cuenta la fábula del hermoso y terrible descubrimiento del otro desde el dañado (y, sin embargo, perfecto) uno.

El film de Chbosky apela a quienes fuimos y nos recuerda que aún lo somos como impulso para desear lo que seremos. Canta al amor humano, limitado y suculento; esa emoción que cuestiona nuestra finitud y exige campo abierto al alma. Es mérito de Chbosky haber sido capaz de reflejar cómo en los ojos, llantos, risas, cabronadas y mieles del otro se nos desafía continuamente a creer. Por méritos propios, esta peli debe estar entre lo más granado del año.

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LOOPER, de Rian Johnson

Looper supone para el presente un necesario latigazo de sencillez formal y genio argumental ahora que las propuestas de la ciencia ficción son, o bien estulticias de chicha y nabo, o bien pretenciosos embrollos demasiado rocambolescas para ser tomados en serio; por eso, precisamente, queda claro que con Johnson estamos ante un autor de gran inteligencia narrativa. Aunque su tercera peli venga disfrazada de puzzle temporal inserto en un cóctel de acción el resultado final la hace mucho más rica narrativamente de lo que uno se espera.

De entrada, el personaje principal podría perfectamente haber sido para Humphrey Bogart. ¿Por qué? Muy simple: Johnson se sirve de la (bien orquestada) cuestión de los viajes en el tiempo para proponer, en realidad, un relato de  puro cine negro, con personajes ambiguos, llenos de recovecos morales; es decir, humanos. No hay buenismos en Looper. El prota es un ser egoísta, cómodo en el ventajismo y la drogadicción porque todo le importa tres cojones. Acudiré a la regla de los tres elementos para simplificar la explicación: Looper es técnicamente solvente (es la única parte que no alcanza la excelencia), ultraentretenida y posee una profundidad, amén de insospechada, de extraordinaria altura intelectual y emocional. Una joya.

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LOS MISERABLES, de Tom Hooper

La cinta de Tom Hooper es un torrente de sensaciones extremas, un tren acelerado sobre raíles de canciones inolvidables, excesos formales y gigantescas interpretaciones; un cuento de espirtualidad radical profundamente hermoso, y abierto a lo trascendente hasta lo inconcebible hoy en día; por ello es tremedamente humana. La batuta de Hooper es firme y no se amilana ante la envergadura de un proyecto con alma de ‘grandeur’ cinematográfica. El director británico recupera la energía narrativa de las superproducciones cincuenteras de las majors hollywoodienses sin renunciar al presente cinematográfico. Los miserables es, sin duda, el mejor musical desde El violinista en el tejado. Y no me he olvidado de Cabaret. Esta es mejor.

La estación de destino de toda gran obra artística es la belleza, que nos cautiva y transforma; que nos devuelve la inocencia y nos acerca a lo divino. Que yo no me haya aburrido en una película en la que cantan 2 horas y 25 minutos de las 2 y 32 que dura dice mucho de lo bien que ha montado Hooper la cuestión. Estamos ante una de las mejores películas de los últimos años, una pieza cinematográfica que estremece por su envergadura. Uno va al cine, en definitiva, a descubrir historias como Los miserables.

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THE HUNT (LA CAZA), de Thomas Vinterberg

Alejado (gracias a Dios) de los postulados del Dogma, Vinterberg ha compuesto un relato, ante todo, de enorme potencia. Sacude, angustia y oprime al espectador hasta hacerle compartir las desventuras de uno de los protagonistas más golpeados -también literalmente- que recuerdo. Parte de la incomodidad que uno siente presenciando la historia de Lucas proviene, es de justicia reconocerlo, de la candidez con que actúa el propio personaje y que tan bien refleja Mads Mikkelsen, al que voy a bautizar definitivamente como el Ricardo Darín danés.

No me ha convencido del todo el engranaje del último acto. No obstante, Vinterberg consigue de una manera magistral dos cosas que me fuerzan a incluirlo en este listado: secuestrar mi atención con su montaje hasta donde quiere, como quiere y cuando quiere; y meterme dentro de la piel de su protagonista. Nadie debe, pues, dejar escapar la oportunidad de ver esta película; sin mirar banderas, por favor, que ya somos mayorcitos. Atentos a la estruendosa escena de la iglesia.

PD: A los que ya hayáis visto estas diez os emplazo a echarle un vistazo también a La vida de Pi, Lincoln, Lo imposible, Los juegos del hambre, ¡Rompe Ralph! y Ruby Sparks. Para los que aún tengan ganas de más: Amor, Amor y letras, Blancanieves y la leyenda del cazador, El Hobbit: Un viaje inesperado, El fraude, El mundo es nuestro, Mátalos suavemente, Siete psicópatas, Skyfall y The master.   

Tráiler de Argo

Tráiler de Blancanieves

Tráiler de Django desencadenado

Tráiler de El caballero oscuro: La leyenda renace

Tráiler de El lado bueno de las cosas

Tráiler de La noche más oscura

Tráiler de Las ventajas de ser un marginado

Tráiler de Looper

Tráiler de Los miserables

Tráiler de The hunt (La caza)

Aunque Singer haya dotado de cierta inventiva al montaje de contadas escenas -como aquellas en que se entrecruzan las conversaciones del prota, la princesa y sus respectivos progenitores- el tono de su peli es decepcionante, confortable en un discurso muy cómodo, propio del pírrico esfuerzo de un albañil de la industria y no del talento de un narrador del celuloide.

Aún más vulgar resulta el guión de Christopher McQuarrie (sólo se entiende que este sea el mismo tipo que escribió los libretos de Sospechosos habituales y Valkiria porque sabemos que también es el responsable del horripilante texto de The tourist), Darren Lemke y Dan Studney, un tren de clichés que discurre sobre diálogos que suenan demasiado y llevan a estaciones por conocidas, sumamente irritantes.

El reparto es un desfile de talento desaprovechado, con Stanley Tucci y Ewan McGregor a la cabeza; además de contar con un protagonista (Nicholast Hoult) en clase turista, y una sosa -casi gélida- Eleanor Tomlinson en el vagón de cola.

Le doy el cinco a Singer porque no llegué a aburrirme durante la proyección, pero a estas alturas el director de las mencionadas Sospechosos habituales y Valkiria debería ofrecer mucho más al espectador cuando su nombre aparezca en los títulos de crédito. Con todo, como a esperanza cinefila no me gana nadie, voy a seguir creyendo que el cineasta que firmó piezas tan interesantes como Public access y X-men aún tiene munición de sobras para que X-Men: Days of future past y la futura Battlestar Galactica supongan una fiesta para el paladar simple.

Tráiler de Jak el cazagigantes

Ese día del año 1980 Varsovia parecía nueva a los ojos de Mikołaj. Las mismas calles tristes y los mismos desconchados edificios bajo la misma luz mortecina del sol  invernal; y, sin embargo, cada recodo, plaza y escalinata se descubría como un lugar completamente distinto, escenario ideal para combates a muerte por el honor de reyes, damiselas y compañeros de armas.

Aunque habían pasado ya unas cuantas horas, esos caballeretes engorrados hasta las cejas se hallaban todavía fascinados, embotadas sus mentes por la belleza del espectáculo presenciado. Desde esa misma tarde, los relatos de sus padres y abuelos sobre films venidos de los Estados Unidos con piratas, vaqueros y detectives ya no eran sombras amorfas sino algo vivo y maravilloso, una nueva puerta abierta a su imaginación; después de más de treinta años, el gobierno comunista de Polonia había permitido la exhibición de películas norteamericanas.

Pavel, Michał y Piotr habían insistido tanto que Mikołaj acudió a escondidas a la proyección de una historia sobre espadachines en la parroquia del padre Banaszak. Para cuando terminó la película no podía levantarse de la butaca; ni tampoco quería, como si haciéndolo se fuera a escapar lo vivido en las dos horas que había pasado aferrado a ella. Al encenderse las luces se sorprendió a sí mismo con el rostro enjugado en lágrimas y una enorme sonrisa, frente a la extrañada mirada de sus amigos, que no sabían qué significaba aquello.

Cualquier atisbo de tensión se resolvió con una serie de salvas mosqueteras, que Mikołaj gritó en pie sobre la fila de asientos, a las que se sumaron, también sobre las butacas, sus tres compinches. Tras la consecuente caída al suelo y los exaltados reproches del sacristán, los cuatro emprendieron, florín imaginario en mano, el regreso a su barrio.

Dados ya los últimos mandobles, Mikołaj llegó a casa y, como suponía, sus tíos aún no habían regresado del trabajo. Corrió a través de un pasillo atestado de carteles del partido hasta encerrarse en su habitación. Se alegró de no ver allí a sus primos Josef y Vladimir, que debían estar jugando a fútbol en el destartalado solar situado a un par de manzanas. Se agachó bajo la cama que compartía con ellos y serpenteó hasta presionar suavemente uno de los listones de madera del suelo, que extrajo sin dificultad. En el hueco resultante y, bajo una masa informe de cables, cuerdas y hierros recabados en sus expediciones a las fábricas de la ciudad, encontró un objeto rectangular envuelto en papeles de periódico amarillentos.

Segundos después, Mikołaj agarraba con fuerza un viejo marco metálico amenazado por el óxido que contenía la fotografía de bodas de una sonriente pareja de pelo rubio. Los jóvenes que le miraban fijamente, radiantes de alegría, siempre habían sido unos extraños para él. Sin embargo, algo inesperado había sucedido unas horas antes frente a la pantalla de cine del padre Banaszak, en el preciso instante en que D’Artagnan se presentaba al señor de Treville para solicitar su ingreso en los mosqueteros.

De repente, Gene Kelly hablaba en polaco y Mikołaj ya no estaba en una sala de cine sino en una pequeña habitación, acurrucado bajo una manta. Sentado junto a él, el joven de la fotografía realizaba múltiples aspavientos e impostaba voces distintas al tiempo que sujetaba un libro con su mano izquierda. Como en un fotograma contiguo surgía también la figura de la alegre muchacha que lo acompañaba en la instantánea; pero no vestía de novia, llevaba puesto un sencillo batín de color lila. Ella, al contrario del muchacho, refinaba sus gestos y hacía parpadear sus ojos de manera exagerada al leer las frases de la duquesa De Winter; las mismas que había visto pronunciar en la película a una tal Lana Turner. Mikołaj no podía dejar de sonreír, ni de llorar: los silencios decretados y los fantasmas escurridizos habían desaparecido, incapaces de esconderse ante la luz de un proyector de cine.

Esa noche tardó varias horas en conciliar el sueño. Apasionadas voces y esforzadas escenificaciones surgían, agolpadas, de un rincón olvidado de su mente que ni el acto criminal de la policía secreta ni los machacones discursos de sus tíos habían podido ocultar. Antes de cerrar sus ojos en el más dulce de los sueños, Mikołaj dio gracias por la existencia de Los tres mosqueteros y del cine, que habían extraido de su memoria aquello que creía no saber; que, una vez, conoció a esos simpáticos jóvenes de la fotografía. Por fin, después de tantos años, Mikołaj recordaba a sus padres.

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La policía secreta de la Polonia comunista se creó en 1945 con el nombre de “Ministerio de Seguridad Pública”; en 1955 pasó a denominarse “Servicio de Seguridad” hasta su disolución, con la llegada de la democracia en 1989. Miles de personas fueron encarceladas, torturadas y asesinadas bajo su control. Este relato está dedicado a todos ellos y a los que han sufrido la represión de cualquier régimen autoritario en el mundo, incluidos los que hoy viven bajo la tiranía de lobos con piel de cordero; especialmente a ellos.

Por si aún no adoráis a Jennifer Lawrence, ahora se os han acabado las excusas. Después de la ceremonia, en el especial de la ABC -la cadena yanqui que retransmite los Oscar para todo el mundo- le hiceron una minientrevista en la que se coló un invitado especial: Jack Nicholson. Sigue siendo un conquistador, a pesar de las canas.

Después podréis ver otra pequeña interviú a la encantadora Anne Hathaway. Sé que llego con un poco de retraso pero uno está bastante ocupado y hasta ahora no he podido traducirla. Además, el Format Factory me está dando problemas, así que he colgado los subtítulos directamente en You Tube, a la vieja usanza. Ya sabéis, pinchad en la opción de los subtítulos en la barra inferior del cuadro para verlos.